Blog di Alessia Papaluca

Fredy Franzutti e il Balletto del Sud portano a Catanzaro l’omaggio al soprano Maria Callas per il centenario dalla nascita che ricorrerà nel 2023.

Lo spettacolo intitolato ‘La traviata. Maria Callas, il mito‘ è una coproduzione del Festival d’Autunno, debutta in prima nazionale venerdì 28 ottobre nel Teatro Politeama di Catanzaro.

«Il Festival quest’anno propone tre eventi di danza di respiro internazionale profondamente diversi l’uno dall’altro per cogliere i cambiamenti e le innovazioni in atto e proporle in una regione lontana dai circuiti della grande danza. Un’operazione di ampio respiro culturale oltre che spettacolistico»

Antonietta Santacroce, direttrice artistica Festival d’Autunno

A portare in scena la figura della Callas è la ballerina Nuria Salado Fustè in una storia che intreccia la tragedia greca alle imponenti scenografie e ai costumi d’epoca europei, ricostruiti grazie a preziose immagini fotografiche.

Il coreografo e regista leccese è tra i più noti del panorama nazionale e internazionale, realizzando balletti per eventi Rai e teatri esteri fra cui il Bolshoi di Mosca, l’Opera di Montecarlo, l’Opera di Magdeburg, Sophia e Tirana.

Maria Callas e Giuseppe Verdi, come nasce l’idea di legarli?

Nasce dall’ultimo atto di due vite accomunate da un’identica sorte e che sovrappongo, quella di Maria Callas a quella della protagonista di Verdi, Violetta. La creatività è istintuale, legata al personaggio e creare uno spettacolo non è mai difficile. La voglia di comunicare non è un impegno da assolvere, ma un desiderio. Anche quando ho lavorato su commissione ho quasi sempre accettato argomenti specifici, cogliendo l’opportunità di realizzare delle idee che avevo già nel cassetto.

Santacroce ha definito questo spettacolo dall’ampio respiro culturale. Può spiegare meglio?

Questo spettacolo è molto europeo: riprende la tragedia della Magna Graecia sulle musiche di Giuseppe Verdi e del musicista greco Iannys Xenakis, racconta la vita e la “grecità” di Maria Callas, la cui vita termina a Parigi, nel cuore dell’Europa. C’è l’integrazione tra l’arte greca e italiana, con continui riferimenti storici e artistici europei, quindi è uno spettacolo che abbraccia tutta l’Europa.

La danza è un’arte frequentata da pochi, soprattutto nel Meridione. Dipende da una distanza culturale o geografica dai grandi centri?

La danza è un’arte che si fa, ma che non si vede. Non siamo educati alla fruizione dell’arte della danza. Sono migliaia le ragazze che frequentano scuole di danza e c’è una iper presenza di scuole amatoriali che offrono un’esperienza limitata al saggio di danza della nipotina o della figlia.

Questo comporta che non si riesca a discernere l’arte della danza, come invece siamo abituati a fare con la musica. Un saggio amatoriale non può emozionare come un balletto o uno spettacolo, così come un concerto di musica classica non sarà mai come un concerto di Claudio Baglioni.

Penso che bisogna creare la necessità: se c’è troppa danza, il pubblico non sentirà il bisogno di cercarla ed è molto difficile formare il pubblico pagante affinché frequenti gli spettacoli di danza e impari a distinguerli per autore, compagnia e non per genere.

TRAMA – Sulle musiche di Giuseppe Verdi e del musicista greco Iannys Xenakis, il coreografo Fredy Franzutti ha ricreato la figura di Maria Callas nella trasposizione de ‘La traviata’ con la quale debuttò nel 1955 al Teatro alla Scala e la cui interpretazione è rimasta memorabile.

Per accentuare la drammaticità della messa in scena, Franzutti ha aggiunto alle musiche originali e immortali di Verdi, quelle di Xenakis, artista amico del soprano, definito ‘l’architetto del suono’ per il suo modo di concepire la musica. Accanto a Nuria Salado Fustè, nei panni della protagonista, altri eccellenti ballerini: Matias Iaconanni, nel ruolo di Alfredo Germont, e Carlos Montalvan che interpreta Giorgio Germont. Con loro, in scena, i solisti e il corpo di ballo del Balletto del Sud.

Carlos Branca dirige Luca Ward in “ATTRA_VERSO L’UNIVERSO. Viaggio nel tempo”, una produzione del Festival d’Autunno che per la prima volta, va in scena al Teatro Politeama di Catanzaro sabato 15 ottobre 2022.

Il regista argentino, di origine calabrese, affronta il tema della parola e del viaggio assieme a due ballerini che danzano sulle note di Philip Glass, Luis Bacalov, Ivano Fossati, altri importanti autori da Wagner, Haendel e a suoni provenienti dallo spazio.

Debuttare in Calabria è la metafora di un ritorno a casa?

Torno sempre volentieri in Calabria, i miei genitori sono emigrati da Acri, vicino Cosenza e il calabrese è la mia lingua materna. Da bambino, quando tornavo in Calabria, parlavo con le mie zie e alcune parole che conoscevo erano del dialetto calabrese degli anni ‘50 che mi era stato tramandato.

Il dialetto è una lingua reale, aperta, che si evolve e si contamina e mi piace, così come mi piace mischiare la musica in funzione della narrazione. Prendiamo Bacalov e Morricone che hanno lavorato a tutta la Musica Leggera Italiana. Bacalov si chiedeva sempre se la musica è leggera si chiamasse così perché l’altra è pesante. Ciò che voleva dire è che non esiste una musica migliore di un’altra.

In che modo è nata l’idea dello spettacolo?

Con la mia compagna Rosanna Pavarini e Antonietta Santacroce abbiamo scritto quest’opera senza la pretesa di insegnare qualcosa. È una narrazione su un ipotetico viaggio di Ulisse, in cui utilizziamo, senza porci limiti, musica di Puccini, Fossati, il Tango di Piazzola e altri. Prendiamo da tutti i generi che ci piacciono per riuscire a compiere un viaggio che è un monologo interiore. Può essere un viaggio d’amore o come il viaggio che la mia mamma è stata costretta a fare verso l’Argentina, lasciando la Calabria per seguire il marito e i fratelli.

Si può parlare di un viaggio in cui riscoprire la storia e riappropriarsi di certe emozioni?

Gli spettacoli li faccio sempre per me e questo lavoro è la metafora di tante cose: è contaminazione di musiche diverse come il tango che è pieno di nostalgia e racconta una storia in tre minuti. Mi piace la contaminazione artistica che fa cadere i limiti unendo tante cose diverse. È fondamentalmente un abbraccio.

Da dove nasce la scelta di separare la parola “Attra_verso” nel titolo dello spettacolo?

È un gioco di parole perché mi interessa il concetto del “verso”. L’intento è di andare dentro l’universo per mezzo dei versi, della poesia e delle parole. “Attraversare” è una parola sola, ma dividendola diventa tante altre cose diverse. Ho lavorato 15 anni con Luis Bacalov e mi ha insegnato che la musica esiste dai silenzi, perché senza silenzi non c’è suono. La pausa tra parole e pensieri anima il nostro monologo interiore.

Dopo la prima nazionale a Catanzaro, sono previste tappe successive?

Intanto pensiamo a far bene la prima, poi si vedrà. Non dobbiamo avere un’estetica delle parole ben dette, ma per essere artistico e teatrale bisogna essere a servizio della narrazione e Luca Ward ha un approccio che a mio avviso è meraviglioso. Con la lirica non si può toccare nulla, ma in teatro ci si può permettere tutto.

La libertà espressiva è tipica del teatro?

Il teatro ha un pubblico vivo, che reagisce in modo carnale e vivace nel qui e adesso. Un’azione può funzionare in un contesto e non funzionare in un altro. In Argentina diciamo che “la libertà è la mamma di Dio” e in teatro c’è questa libertà. È nella finzione di una tragedia o di una commedia, è reale anche quando non lo è reale, perché è nella fantasia che c’è libertà.

Vede spunti per migliorare o gemellare il teatro argentino e quello italiano?

Il mio paese ha vissuto momenti molto tristi dal punto di vista politico e dei diritti sociali, ma il teatro è molto importante per esorcizzare, comunicare e condividere. Le persone vivono la loro giornata e poi frequentano laboratori teatrali, quindi il teatro indipendente è una potenza. A Buenos Aires puoi trovare 400 diverse opere di teatro in un weekend e c’è gente a tutte le ore. Qui si fa teatro sempre a partire dal budget e questo cambia tutto. È ovvio, io vivo di questo e devo sopravvivere, ma in Argentina c’è effervescenza e passione, non è un’istituzione culturale, c’è bruttezza ma possono nascere cose belle senza cercare sempre la cura estetica.

L’intervista completa a Lino Guanciale che al Teatro Politeama di Catanzaro porta finalmente “Non svegliato lo spettatore”, chiudendo la sezione “Musica & Cinema” 2022.

Lino Guanciale veste i panni di Ennio Flaiano, vincitore del Premio Strega nel 1947 e sceneggiatore di celebri pellicole dirette da grandi cineasti italiani, tra cui Federico Fellini e la coppia Steno-Monicelli.

Lo spettacolo è prodotto dal TSA Teatro Stabile d’Abruzzo, in collaborazione con Stefano Francioni Produzioni, musiche e regia di Davide Cavuti.

Lo spettacolo nasce come tributo a Flaiano?

L’intenzione è di fare un omaggio, ma anche di comporre un ritratto attraverso il linguaggio teatrale, che sia utile allo spettatore che, se lo conosce può andare a rimpolpare le sue conoscenze, se non lo conosce è stimolato a leggere qualcosa.

Nel costruire e portare in scena “Itaca” insieme a Davide Cavuti, abbiamo lavorato sul materiale di Ennio Flaiano per una sequenza del recital. È un autore che entrambi amiamo molto e abbia scelto di usare quello stesso materiale in “Non svegliato lo spettatore”.

È conosciuto per gli aforismi e lo spettacolo serve a togliere un po’ di polvere da quest’autore che oggi è conosciuto per il suo cognome più che per le opere.

Riteniamo che sia stata una delle voci critiche più lucide dell’Italia del benessere e del boom economico. Attraverso diversi upgrade successivi, la cultura super consumista è la stessa in cui viviamo ancora oggi.

Da autore eclettico per antonomasia qual è stato, crediamo valga la pena proporre un excursus sui diversi specifici letterari in cui si è mosso. Lo spettacolo quindi passa in rassegna i lavori teatrali, sia come recensore, che traduttore che autore di commedie, l’aforistica, la scrittura per il cinema e i lavori narrativi, per esempio “Tempo di uccidere” è l’unico romanzo che ha scritto, vincitore del primo premio Strega della storia.

Se poi Flaiano non ne ha scritti altri è per una motivazione flaianea, perché non gli interessava scrivere per campare, ma per chi scrive romanzi, bisogna scrivere solo quando se ne ha in testa uno che sia un grande romanzo.

Il teatro è sempre presente nella sua carriera e oggi ha tre spettacoli attivi di cui due come regista.

Attraverso il teatro cerco di mettermi continuamente alla prova. È il linguaggio che parlo più istintivamente, è il luogo in cui sono nato e di volta in volta faccio il punto umanamente e artisticamente.

Il set invece mi ha dato molto soprattutto a livello attoriale: l’esperienza con la macchina da presa mi ha aiutato a crescere come attore e nel mio approccio teatrale.

Il mio mestiere serve senz’altro per creare bellezza come ogni specifica espressione artistica, anche a intrattenere, ma può servire molto alle persone per conoscersi e relazionarsi.

Il teatro è questo, mettersi nei panni degli altri e lo si impara facendolo, ma lo si può imparare anche da spettatori vedendolo fare con la dovuta intelligenza e rispetto.

In qualunque ambito ci si muove bisogna cercare di fare cose rischiose che prevendano un margine di incognita forte.

“Non svegliato lo spettatore” è molto divertente, ma non è puro divertimento, perché ha il proposito brechtiano o flaianeo – tra i due esiste un’analogia credo – di innescare una riflessione assieme allo spettatore.

Credo moltissimo in questo, chiaro che assumersi dei rischi implica che le cose possano ricevere maggiore o minore fervore nel pubblico. Per le mie esperienze, sono molto felice della risposta che ho avuto, anche con i lavori più complessi, non solo a teatro. Se si dimostra una certa coerenza poi il pubblico apprezza il fatto che ti metti alla prova in cose diverse, che cerchi di spostarti da un linguaggio all’altro cercando di mantenere la “schiena dritta”.

Lino Guanciale si diverte di più come attore o come regista?

È più divertente essere attore, però da regista impari molto di più sulla progettualità e sulla costruzione di un’architettura espressiva per riuscire a comunicare qualcosa a cui tieni. La regia è fare ordine in un pensiero, cercare di costruire una frase in maniera che sia leggibile l’interpretazione che vuoi dare di un contenuto. È appassionante, ma non ha molto a che vedere con lo scalmanamento dionisiaco che ti puoi concedere facendo l’attore.

Protagonista di fiction di successo, fa eccezione “Noi”. È stato un progetto troppo rischioso?

Sono molto felice del lavoro fatto su “Noi” e del lavoro in sé, credo sia un progetto molto rischioso che è stato condotto con grande capacità registica.

Sono cresciuto molto interpretando il personaggio di Pietro, così distante per provenienza da tutte le altre cose che ho avuto la fortuna di fare e sono decisamente debitore a “Noi” per avermelo fatto incontrare, mi ha dato personalmente moltissimo.

In teatro mi era capitato di interpretare personaggi di estrazione proletaria, vincendone anche dei premi importanti, ma per la tv ed il cinema non mi era ancora capitato.

Era un’asticella molto alta per il pubblico, a cui alcuni hanno risposto con grande affezione, altri evidentemente hanno preferito altre modalità narrative più abituali. “Noi” costringe ad un avanti e indietro nel tempo che richiede una tenuta d’attenzione e appassionamento alla vicenda diverse rispetto a quello che avviene con modalità lineari a cui siamo più abituati.

Non è un giudizio di valore. Progetti che hanno modalità molto lineari di narrazione sono bellissimi e non ne faccio un discorso tipo il progetto più rischioso è più bello o efficace, invece quelli lineari sono “più sicuri”.

Se ti assumi il rischio di fare un progetto diverso, può succedere che una parte del pubblico ci stia e un’altra ci stia meno.

Credo sia significativo il fatto che abbia fatto bellissimi risultati su Rai Play. Ci sono molte persone che hanno preferito la piattaforma alla messa in onda serale e c’è anche il fatto che sia coincisa con lo scoppio della guerra in Ucraina.

Diversamente da progetti come “Doc” a cui il pubblico è già affezionato, “Noi” è una serie rischiosa, ha debuttato in prima serata in un momento molto complicato e, come altri progetti alla prima messa in onda in quel frangente, ha fatto risultati più o meno in linea in termini di share televisivo.

Lei da tempo è testimonial per Unhcr, qual è la sua visione sulla guerra in Ucraina?

C’è ancora una forte ondata di interesse verso i rifugiati ucraini, sia quelli che fuggono che intraprendono spostamenti all’interno di un territorio così vasto. C’è grande attenzione, le persone continuano a partecipare a programmi di ospitalità ed è una cosa meravigliosa, ma arriverà un momento in cui quest’ondata di interesse avrà meno pubblicità.

La tenuta d’attenzione rispetto a una notizia è fisiologica, ha comunque un termine ed è già successo in passato che l’interesse scemasse col tempo. Mi auguro che si riesca a mantenere alta l’attenzione su questo tema, non dimenticando gli altri.

Sono stato il primo ad impegnarmi con le sottoscrizioni e sensibilizzazione, non bisogna assolutamente abbandonarli, ma allo stesso tempo non bisogna dimenticarsi di tutte le altre emergenze che prima dello scoppio della guerra in Ucraina facevano notizia.

Penso all’Afghanistan di cui non parla più nessuno, a pochissimo interessa quel che sta accadendo in Yemen e questo lo dice, lo chiarisco subito, un favorevole anche all’appoggio militare alla resistenza ucraina.

Si faccia tutto il possibile per alimentare l’attenzione sui rifugiati in fuga da quel paese e stiamo attenti a quel che succederà quando, alcune voci intempestivamente pacifiste – che sul tema rifugiati ucraini hanno fatto un’inspiegabile deroga mentre altri rifugiati sono trattati diversamente – tra un po’ di tempo cominceranno a dire che i rifugiati ucraini saranno un problema.

Non credo che sarò profeta smentito in questo caso.

Manteniamo l’attenzione e la nostra sensibilità umana attiva a prescindere dalle ragioni di parte o del consenso.

«La mia voce mi ha fatto scegliere un genere, ma la mia anima mi ha condotto. Il mio cuore era soul»

Parola di Mario Biondi che dopo svariati anni, torna in concerto a Catanzaro. L’artista catanese si esibisce al Teatro Politeama nella serata del 9 maggio con il suo “Romantic Tour” tratto dall’omonimo album uscito il 18 marzo.

Intona il “Buongiorno a te” di Pavarotti in apertura dell’intervista e ironizza:

«Bisogna capire questo Mario Biondi che cosa ci racconta»

Quando e come nasce Romantic Tour?

Il tour inizia quando stabilisco il titolo di un progetto, automaticamente inizio ad avere le visioni: immagino il palco, il repertorio, quello che avverrà. Questo tour ripercorre il viaggio della mia vita, a partire dalla mia terra, passando per la Calabria e poi arrivare sù a nord dove, intorno agli anni ’70, la mia famiglia si installò. Prima a Reggio Emilia e poi in Lombardia, con la voglia di poter crescere nel lavoro, per poter dare un futuro migliore alla nostra famiglia.

L’album “Romantic”, uscito il 18 marzo, è un progetto ispirato dal periodo pandemico?

In un certo qual modo sì. Durante il primo lockdown siamo riusciti a presentare un progetto che si chiamava “Dare” con brani standard ed inediti. Questo nasce nella seconda ondata, verso una visione più ottimistica della pandemia. Lo chiamerei “Romantic verso la luce”, poi purtroppo all’uscita del disco c’è stata la peggiore visione che poteva capitare, la visione della guerra.

Lei è un romantico?

Sì, lo sono e per me è una sorta di outing questo disco. Io credo nel romanticismo, sono un sognatore e penso che un po’ tutti lo siamo. C’è chi non vuole ammetterlo per darsi un tono e per evitare di diventare banale. Il romanticismo come tante virtù, negli anni è diventato uno spauracchio per gli uomini, ma è una forza incredibile. Tramite il sogno si riesce a immaginare un futuro che altrimenti sarebbe davvero difficile da vivere.

È il suo timbro vocale che ha scelto il genere o è stata l’affinità ad altre grandi voci americane?

La mia voce mi ha fatto scegliere un genere, ma la mia anima mi ha condotto. Il mio cuore era soul e in linea di massima, avere un riferimento per chi deve conoscerti è importante. Nella musica, come nella bellezza, quando si paragona una ragazza ad un’attrice è per far capire subito all’altra persona di cosa si sta parlando. Nel mio caso, penso che Barry White ha generato milioni di figli al mondo, era chiamato “il cantante da camera da letto” grazie alle sue atmosfere, era la musica giusta per accompagnare un certo tipo di intimità. Quando oggi mi dicono “Tu sei un nuovo Barry White” capisco che entro nelle loro camere da letto e da un certo punto di vista mi fa un po’ impressione, ma mi fa piacere per loro.

Il soul, come il jazz, in Italia è cambiato molto, si è espanso rispetto a quando ha iniziato?

Quando ho iniziato era quasi un tabù. Cantare brani soul/jazz era impopolare. I discografici tendenzialmente non erano interessati, producevano “I Ragazzi italiani”. Ora invece vado a vedere realtà di musica soul e jazz piena di ragazzi dai 18 ai 30 anni con talenti incredibili e preparazioni didattiche eccezionali e questo mi fa pensare che la nicchia probabilmente si è ben allargata. Ci vuole tanta dedizione per qualsiasi genere e spendersi tanto per portare a casa dei risultati.

Tra gli interpreti più celebri del genere troviamo afroamericani e poi lei. In qualche modo, ha riscontrato ostilità?

È vero che il soul americano era tendenzialmente appannaggio dei neri, ha dato loro identità e forza in un periodo in cui erano ancora molto osteggiati dalla società americana.

Ciò che arrivava poco prima però era di matrice soul, ma era per lo più appannaggio dei bianchi e non era previsto che degli afroamericani potessero avere voce in capitolo.

Se andiamo a scorrere le pagine del tempo ci accorgeremmo che la musica è stata democratica anche in quel caso. I miei inizi sono stati piuttosto belli, era un impegno, c’era la strumentazione da caricare in macchina, guidare fino a destinazione e cantare per cinque ore di fila, che era un’infinità, ma ha permesso alle mie corde vocali di fare i muscoli e sono diventate sempre più toniche.

All’inizio parlavamo delle sue origini. La vena artistica è un’eredità. Ci racconti.

Mia nonna era una cantante che durante la guerra si trasferì in Piemonte per fare la mondina, fu notata perché era una bella donna e iniziò a cantare in radio. Anche mio nonno Mario, che negli anni ’60 a Reggio Emilia aprì un bar che faceva pasticceria e gelateria, era un sognatore come me. C’è tanta storia che se potessi ripercorrere a retroso mi piacerebbe andare a ritrovare, così anche un disco che fece mia nonna negli anni ’40.

È una sfida, oggi in Italia, proporre brani puramente soul/jazz?

La musica in generale ha sempre bisogno di contaminazioni, nuove idee e sviluppi di alternative. Gruppi come i Police che hanno generato artisti giganteschi, vengono dal misto tra jazz, reggae e pop e sono riusciti a generare uno stile e modalità incredibili. Tutti i gruppi importanti vengono dal misto. È fondamentale, bisogna unirsi e la cosa bella è che la musica non ha razzismi di nessun genere ma anzi, si nutre delle differenze.

È un ritorno a Catanzaro dopo diversi anni. Si aspetta qualcosa dal pubblico?

È sempre uno scambio positivo quello con il pubblico. Dopo due anni e mezzo senza tour, questo mi mette un po’ in imbarazzo, mi sembrano passati decenni. Nel frattempo molte cose sono cambiate, c’è un salto generazionale piuttosto importante. Con quest’ondata di giovani artisti che arrivano al successo, bisogna capire questo Mario Biondi che cosa ci racconta.

In un monologo emotivo e appassionante Marco Bocci racconta la storia dello Zingaro che cerca se stesso attraverso un legame quasi ossessivo con Ayrton Senna. Lo spettacolo “LO ZINGARO – Non esiste curva dove non si possa sorpassare” chiude la stagione di prosa del Teatro Politeama di Catanzaro nella serata di sabato 23 aprile.

Presentato da TSA Teatro Stabile d’Abruzzo e Stefano Francioni Produzioni, lo spettacolo scritto da Marco Bonini, Gianni Corsi e Marco Bocci, si compone con musiche di Davide Cavuti ed è diretto da Alessandro Maggi.

In circa un’ora di monologo, Bocci racconta i pensieri ed i ricordi che legano il protagonista al campione di Formula Uno.

Ci racconti le coincidenze che rappresentano il tema principale dello spettacolo.

La ricostruzione del protagonista è la dinamica intorno alla quale si svolge lo spettacolo, ma anche l’illusione di non capire chi sia il protagonista. Sono quelle coincidenze che proietti intorno al tuo idolo, non sai se sono reali o casuali, sono un po’ immaginate da te che cerchi per forza una somiglianza. E poi ci sono coincidenze tangibili. Non vedi soltanto l’idolo per quel che rappresenta, ma per quel che può rappresentare e capisci l’insegnamento che la figura ha cercato di darti. È chiaro che lo Zingaro sin da bambino ha fatto una ricostruzione nella sua testa e ora quarantenne cerca di mettere il punto per chiudere il quadro.

A tal proposito, il protagonista è lo Zingaro o la proiezione su Ayrton Senna?

La figura di Senna passa attraverso tanti aneddoti. I personaggi diventano un tutt’uno durante lo spettacolo. Ci sono aspetti di Senna da prendere in maniera più fredda, perché riguardano il suo mestiere, altri invece che lo collegano al protagonista e qui si crea un conflitto d’interessi. Dopotutto lo spettacolo si basa sulla ricostruzione dello Zingaro e la figura di Senna passa attraverso tanti aneddoti. I personaggi diventano un tutt’uno e Senna diventa anche lo Zingaro.

La numerologia e la superstizione sono temi dello spettacolo?

La superstizione no, la numerologia sì. Ci sono luoghi specifici e date che fanno coincidere così tanti avvenimenti che sono fondamentali per la vita di Ayrton Senna e per lo Zingaro. Diventano segnali lungo il percorso, una somma di premonizioni che in qualche modo ti portano a riflettere. Il punto è riuscire a fare la riflessione giusta. La domanda che lo Zingaro si pone e che pone lo spettacolo è: Quello che ci accade nella vita è totalmente un segno del destino oppure c’è un significato ben profondo e dobbiamo essere in grado di coglierlo, per capire alcune dinamiche della nostra vita?

Bella domanda. È uno spettacolo dal finale aperto quindi?

Lo spettacolo un tentativo di risposta cerca di darlo, ma è chiaro che poi ognuno deve trovarla in sé stesso. Alla fine deve fungere da stimolo e serve anche per comprendere la realtà. Bisogna lottare per raggiungere i propri sogni ed è giusto dargli un senso di concretezza.

È una coincidenza anche il fatto che sia stato scritto da tre persone?

È un’altra coincidenza che ha un senso molto profondo, sì. Ogni testa ha descritto in maniera approfondita ognuno di questi tre personaggi. Io naturalmente sono andato a descrivere alcune parti del protagonista, Gianni Corsi alcune dinamiche di Ayrton Senna, mentre Marco Bonini si è concentrato su altri aspetti di Senna, quindi c’è stata una sorta di scissione tra i protagonisti e i tre scrittori, ma è stato abbastanza casuale.

Quanto ha attinto alle sue passioni per interpretare questo personaggio?

Nel momento in cui vai a scriverlo, devi avere qualcosa dentro che ti trascina. È un bisogno quasi fisico e animalesco, altrimenti non riesci.

Se non lo desideri con tutto il corpo questo mestiere non riesci a farlo, soprattutto agli inizi, quando non hai appigli e poi piano piano crei un percorso, dei punti di forza e delle certezze. È fondamentale avere voglia di farlo, io ne avevo un bisogno fisico.

Dopo 4-5 anni lontano dal teatro, avevo bisogno di tornarci e questa scrittura è capitata in un momento in cui era tutto fermo. Ho preso da qui la forza. Abbiamo iniziato a pensarlo prima del Covid, ma vivevamo di altra roba, le dinamiche erano frettolose, invece poi con il lockdown sono venuto a contatto con le esigenze primarie, avevamo tanto tempo e quindi è stato un segnale forte, che mi ha dato la capacità di adoperarmi e la forza di farlo, ritrovando il tempo anche di parlarne con gli altri.

Lei ha messo parte di sé stesso nel personaggio, cosa le sta restituendo invece lo Zingaro?

È chiaro che lo spettacolo tratta tematiche che fanno parte della vita e che viviamo attraverso ricordi in maniera astratta, ma se li porti in teatro ne parli continuamente ed è come se il ricordo diventasse concreto. A furia di fare repliche, il ricordo diventa qualcosa di materiale che ti restituisce un passato stabile e diventano certezze, aneddoti fondamentali nella tua vita.

Questo spettacolo ti porta a fare i conti con tante cose. È particolare e complicato anche per lo spettatore, perché rischia di essere difficile mettere a fuoco ogni cosa. È un continuo di ricordi che si mischiano a pensieri legati al passato, al presente, che lo Zingaro vive in prima persona e a volte in terza persona. Ho scelto di farlo prendendolo in maniera molto intima, vuol dire che per essere apprezzato ha bisogno di luoghi piccoli, in modo da sentire tutte le persone e guardarle, così da poterci entrare a contatto.

È chiaro che le persone le senti piano piano ed è un percorso unico dove c’è la resa dei conti ed è sempre molto complicato, ma ritrovo una reazione che mi piace molto.

Marco Bocci sabato in teatro, ma la sua carriera spazia dalle fiction televisive al cinema. C’è un media nel quale preferisce lavorare? O che preferisce in modo personale?

Non c’è preferenza ma bisogni. Ho cominciato con un percorso totalmente accademico, con la scuola di teatro, poi mi sono avvicinato alla tv, al cinema. Ho bisogno di tutte le cose, ma dipende dall’ultimo lavoro che ho fatto, dal contatto che ho bisogno di avere dal pubblico in quel momento. A volte vorrei qualcosa di più ricercato, altre qualcosa di più diretto, ma non sceglierei mai uno solo dei tre perché credo che, chi faccia questo mestiere, si senta completo in tutti i modi di esprimersi. Fare teatro mi da un senso di libertà che facendo TV e cinema non ho.

Spoiler: dove potrà trovarlo il grande pubblico in futuro?

Al momento sto finendo di girare una serie per Sky che s’intitola “Unwanted” e sto lavorando alla post-produzione del mio secondo film, che s’intitola “La caccia”, di cui non abbiamo ancora la data d

«Per la prima volta a Catanzaro e sono contenta di essere al Comunale»

A dichiararlo è Teresa Timpano, attrice reggina e premio Giovani realtà del teatro 2014, protagonista di “Penelope”, il penultimo spettacolo della stagione teatrale 2021/22 di Ama Calabria.

Lo spettacolo prende il nome dalla protagonista, moglie di Ulisse, che ripercorre le più atroci conseguenze dell’amore. Prodotto da Scena Nuda – Festival Miti Contemporanei e Accademia di Belle Arti di Reggio Calabria, è diretta da Matteo Tarasco.

Timpano racconta la forza di un personaggio che lancia al pubblico la sfida di spogliarsi di ogni maschera.

Penelope vuole riappropriarsi della verità oltre lo specchio. Quanto siamo lontani da questa consapevolezza?

Siamo molto lontani. Viviamo in un territorio molto mascherato, con la paura dei propri sentimenti e di chiedere scusa.

Con questo spettacolo cerchiamo di aprire un mondo emotivo al pubblico, mostrando con forza la profondità e la verità di questa donna, che conduce verso l’apertura della società impaurita.

Lo vediamo negli affetti, nell’amicizia, ormai servono mediatori continui perché siamo bloccati e chiusi.

Il nostro scopo, come teatro contemporaneo, è di entrare nel cuore del pubblico e possiamo farlo attraverso la vicinanza reale, riprendendo i miti in maniera innovativa, poiché le opere greche lavoravano sulla società del tempo, ma è importante rielaborare e rivisitare quei temi che sono attuali.

In che modo ha scelto di lavorare sul personaggio di Penelope?

Non mi calo in un personaggio, ma lo costruisco attingendo da Teresa, che rimane lucida come artista e come persona.

Lavoro su un personaggio attraverso le azioni. Il teatro contemporaneo vuole scostarsi dall’immedesimazione, non crediamo più in una recitazione formale come negli anni ’50, ma il pubblico rimane agganciato emotivamente quando il personaggio è imperfetto.

È importante trovare delle connessioni, ma è fondamentale capire che il teatro è una costruzione credibile, non è la vita.

È un comportamento cosciente dell’attore, con rimandi a ciò che si può comprendere. Attraverso le motivazioni e i conflitti si costruisce un personaggio e oggi dobbiamo legarci al presente, senza restare fuori dal contesto in cui viviamo.

Qual è la reazione del pubblico innanzi alla sfida proposta da Penelope?

Dopo lo spettacolo ci è capitato che qualche spettatore si rendesse conto di voler agire nei confronti di una situazione ed è pazzesco. È la vera catarsi.

Il pubblico ha sempre reagito bene al nostro imput di creare una relazione empatica con quello che accade. Penelope è un personaggio che racconta una donna che mette sé stessa nelle azioni e nelle parole.

È il punto di vista della donna con il suo uomo, in varie modalità, sia d’ammonimento che di comprensione e questo il pubblico lo avverte.

Si avverte la mancanza di un centro di formazione per i giovani attori calabresi?

Trovo fondamentale che la formazione teatrale debba avvenire fuori dai propri contesti, perché dev’essere libera e devi svuotare tutto il sacco e rimettere dentro da capo. È il primo passaggio che si fa in accademia e ci mette in una posizione migliore di ciò che si pensa.

Il nostro vero svantaggio è che, qui ancora, non si considera un mestiere fare l’attore.

Il territorio ci permette di essere un punto di partenza per i giovani, prima di andare in accademia. Io ho studiato a Udine, mi sono specializzata in Emilia Romagna e posso dire che tutte le regioni hanno grandi problemi, perché è il contesto italiano ad essere un problema.

Qui c’è meno concorrenza rispetto alle grandi città, è un territorio da arare, ma facciamo un lavoro serio e competitivo, con il vantaggio di essere pochi.

Per quanto riguarda l’offerta, è un grave problema che sia molto molto bassa. Speriamo negli anni di essere noi un presidio vero che possa offrire spettacoli ogni settimana.

_{Pubblicazione su Il Quotidiano del Sud}